古典絵画、近代絵画における色彩表現と日本の現代絵画について

先日、国立西洋美術館で『ロンドン・ナショナル・ギャラリー展』を観て、日本の現代絵画について、主に空間表現（ヴァルール）について、少し思うところを書きましたが、その続きです。

絵具をパレットで混色して塗った色は、減法混色といいます。その混色過程は完全に物理的なもので、眼の外部で混色された結果としての色光が目に入射して色として認識されるものです。

それに対し、ハッチングやスカンブリングで絵具を重ねたり、モザイクや点描で色を並べて描く場合、遠目には細かな色の粒が響き合って別の色に見えるのですが、これを中間混色（並置混色）といいます。個々の色を示す色光は物理的には別個に目に入射するのですが、眼（および脳）において生理的に混色されて認識されるものです。

人間の脳が認識する色が最終的に同じであっても、より複雑な色の響き合いで生まれた色の方が美しく感じます。そして、その複雑さはその度合いを調整することができるため、差をつけることが出来るのです。

同じ色でも、単調で差がない場合、どうしても作り物っぽく見えてしまうし、空間や質感を描き分ける手立てが、その分少なくなってしまいます。

古典絵画では、見た目には固有色中心の明暗のグラデーションでしたが、顔料や展色剤の制約から、混色よりも重色による視覚混合が優先的に行われました。

近代絵画では、明暗のグラデーションよりトーンで捉えることを重視し、混色を行いましたが、画面上で様々な色を並置することで視覚混合を行いました。

現在、我が国の「写実系」具象絵画に比較的多い表現は、固有色に近い色を混色で作って、絵具を緩くぼかしながら明度段階をグラデーションして描くやり方です。眼の外で物理的に混色するこの方法だと、色調は単調となり、タッチを殺した画面は変化を弱めてしまうので、ヴァルール表現に不利となるため、空間表現が弱くなりますし、画面が均質化するので質感も弱くなってしまいます（「オートマチック系」はそもそも色彩が形や空間と関連していないので、ここでは省略します）。

結果的に、銀塩写真に近い表現は出来ますが、色彩感はグラビア印刷（減法混色と中間混色の併用）に劣る状態になってしまいます。

現在我が国で主流の具象絵画は、ある意味、ルネサンス期の古典絵画の良いところと、印象派以降の近代絵画の良いところを捨て去り、欠点を組み合わせたような状態で描かれた作品が多くなっている気がします。

勿論こういう作品があって良いし、それを好む人がいても良いのですが、この現象の原因が、教育にあるのだとしたら？

これまで先人たちが積み上げてきたものを、継承していく人が誰も居なくなってしまう可能性を危惧しております。

『ロンドン・ナショナル・ギャラリー展』を観て、最近の具象絵画について思ったこと

最近の具象絵画の主流は、写真に裏付けされた形と、タッチを殺した固有色のグラデーションによる着彩がメインの「写実系」と、空間や立体と関連性のない線によって描かれた形と、形の変化と関係のない色によって構成された「オートマチック系」に分かれるような気がします。

人気があることによって、主流となっているのでしょうから、それは市場の原理として受けとめるべきで、問題とは思っていません。また、そのような表現の是非について論ずるつもりもありません。私が思うのは、これらを生み出すもとになっているもののひとつに、教育が関わっているのではないかということです。

美術教育、それも実技の専門教育の場において、ものの観方、捉え方をどのように教えるべきか、様々な考えがありますが、私は基本的に、過去の巨匠たちによって積み上げられてきた遺産は、流行とは関係なく引き継ぐべきだと考えています。

ひと通り学んだ上で、自分の表現として選んでいるのであれば、何の問題もないのですが、もし教育の現場に市場原理が優先されているのだとしたら、学問や文化という観点からは問題だと思います。

現在、我が国の美術の専門教育は、デッサンにおいてトーン（調子）の使い分けを軽視する傾向にあるように思います。このことは当然、タブローにも影響していると考えるべきです。
これは、ニュートン以来の色彩学によって、過去の巨匠たちが発展させ、セザンヌによって完成をみた近代以降の『ヴァルール』の概念を、ルネサンス期の『モドゥレ（明暗による肉付け）』に退化させてしまっているように思えてきました。

セザンヌ以降の近代絵画においては、トーンを駆使することで、ヴァルールを整え、空間を表現するという新たなメソッドが成立したにもかかわらず、一見矛盾するかのように、平面性の強い絵画が多くなっていくわけです。このことは、もしかしたら今日のトーンを軽視する絵画教育にも繫がっているのかもしれません。

しかし、ヴァルールによる空間表現が可能だからこそ、平面性の強い絵画でありながら、リアリティのある空間や立体を創出することが出来たわけで、これこそが近代以降の絵画、20世紀モダニズム絵画の大きな魅力だと私は思っています。

私たち制作者は、そして美術教育や造形学に関わる人は、この時代の『絵画の平面化』は、決して額面通りではないことを忘れてはならないと思うのです。

このことについて、西洋美術館の『ロンドン・ナショナル・ギャラリー展』を鑑賞して、あらためて色々なことを考えさせられました。